Scène d’Art Contemporain – Quelle cause défendons-nous? (1/3)
Introduction
Pour obtenir la validité du modèle DAO de Vasari, fournir des informations nécessaires sur l'architecture traditionnelle du système du monde de l'art semble inévitable. Comme le monde de l'art contemporain atteint un marché véritablement mondial grâce à la technologie blockchain, la structure nécessite une explication logique, qui sera divisée en trois parties : 1) l'histoire de l'art, 2) l'éducation, et 3) le système monétaire. Veuillez noter que l'article présente un aspect très particulier et abrégé du monde de l'art, afin de fonder l'orientation principale de la DAO, et non pour dénigrer ou transmettre de fausses valeurs à une certaine culture. Tous les détails de l'article peuvent être discutés ouvertement et approfondis au-delà de l'écriture en tant que communauté.
Résumé
Le premier de trois articles présente un récit de fond du monde de l'art traditionnel et de ses problèmes récurrents sur la base d'études de cas dans une perspective d'histoire de l'art. Les deux principaux problèmes illustrés dans l'article sont 1) l'idée mal interprétée du mondialisme dans la représentation des artistes, 2) la question du système de financement centralisé. En conséquence, l'article affirme l'effet du système hégémonique (sans partage) dans le monde de l'art, empêchant le monde de l'art de s'établir comme une industrie indépendante. En conclusion, l'article établira la position de Vasari DAO et son orientation axée sur les valeurs.
Relation avec l'histoire
Lorsque l'hégémonie (le partage) du pouvoir s'est déplacée des pays européens vers les États-Unis après la première et la deuxième guerre mondiale, l'hégémonie de l'art a suivi en conséquence. En commençant par les Federal Art Projects à la fin des années 30, les États-Unis ont beaucoup investi dans la création d'une valeur artistique pour le public, ce qui a finalement contribué à la création de l'école de New York avec des artistes tels que Willem de Kooning, Mark Rothko, Philip Guston, Robert Motherwell, etc. L'école de New York a défini la génération d'artistes de l'après-guerre en rejetant l'utilisation d'images et en se concentrant sur l'absurdité expressive de l'abstraction. Les valeurs générées par ce mouvement ont marqué une page dans nos livres d'histoire, qui se poursuit encore aujourd'hui.
Mais à l'heure où le monde de l'art s'ouvre à l'inclusion mondiale, il ne faut pas s'attendre à ce que les conversations sur les idées hégémoniques s'intensifient. L'art d'une génération est défini par les problèmes persistants au sein d'une partie de la société et présente donc son caractère unique. Par exemple, il n'est pas difficile d'observer une forte promotion de l'art identitaire aux États-Unis, d'autant plus que la question du politiquement correct a été une question pressante au cours des cinq dernières années. Il est vrai, indépendamment des cadres idéologiques, de remarquer que le fait d'aborder ces questions par le biais de l'art a gagné en importance dans les institutions artistiques, qui ont donné un accès et une voix extraordinaires à des artistes qui n'en avaient pas auparavant. Par exemple, Kerry James Marshall a eu sa plus grande rétrospective au Met Breuer en 2016 et la Triennale du New Museum en 2018 était intitulée "Songs for Sabotage", qui ont toutes deux mis en évidence l'inégalité et l'injustice dans l'idée d'inclusion. Cependant, il est faux de croire que le reste du monde partage le même sentiment que celui des États-Unis, ce qui limite potentiellement le monde de l'art puisque les normes de sélection des artistes peuvent fortement dépendre de celles établies par les institutions hégémoniques.
En 2017, le musée Guggenheim de New York avait ouvert une exposition intitulée "L'art et la Chine après 1989 : le théâtre du monde." Le lieu de l'exposition était de présenter des artistes chinois modernes qui ont résisté à la Révolution culturelle ; cependant, l'exposition avait provoqué une réponse émeutière envers les œuvres d'art. Quelques jours après l'ouverture, l'association People for the Ethical Treatment of Animals (PETA) a dénoncé trois œuvres - "Dogs That Cannot Touch Each Other" (2003) de Peng Yu et Sun Yuan, "Theater of the World" (1993) de Huang Yong Ping et "A Case Study for Transference" (1994) de Xu Bing - pour cruauté envers les animaux. Leur pétition pour le retrait de ces œuvres avait rapidement recueilli quelque 800 000 signatures pour mettre fin à la violence exercée au nom de la créativité. Le musée Guggenheim a finalement décidé de remplacer ces œuvres par des textes, non pas parce qu'il s'est conformé à la logique de PETA, mais parce que ces mouvements de personnes ont envoyé des messages menaçant de commettre des actes de terreur physique au Guggenheim si ces œuvres n'étaient pas retirées. La déclaration officielle du Guggenheim est la suivante : "Bien que ces œuvres aient été exposées dans des musées d'Asie, d'Europe et des États-Unis, le Guggenheim regrette que des menaces de violence explicites et répétées aient rendu notre décision nécessaire." La déclaration poursuit : "En tant qu'institution artistique engagée à présenter une multiplicité de voix, nous sommes consternés de devoir retenir des œuvres d'art. La liberté d'expression a toujours été et restera une valeur primordiale du Guggenheim." Le musée avait finalement retiré les œuvres d'art, "par souci de la sécurité de son personnel, des visiteurs et des artistes participants ...", ce qui nous amène à nous demander si la progression de la liberté d'expression n'a pas été davantage supprimée au nom de l'idéologie, même au 21e siècle.
Quelques mois plus tard, un critiqueur d'art, Richard Vine, a publié un article intitulé "Farewell Our Globalism" dans le magazine d'art Art in America. L'article, en résumé, critique l'excès de sensibilité à l'égard des œuvres d'art qui représentent une critique culturelle de l'oppression politique en Chine. Vine affirme que plutôt que d'observer les œuvres comme une déclaration visuelle, le retrait forcé des œuvres d'art suggère un apport idéologique strictement américain. Parce que des œuvres d'art impliquant la manipulation d'animaux ont existé dans les beaux-arts, tels que Pierre Huyghe et Damian Hirst, et la réaction incohérente envers ces formes d'art suffisent à Vine pour commenter que ce phénomène est un particularisme raciste.
Que ce phénomène soit un acte de racisme étendu ou non, la censure s'est bel et bien faite par le biais d'actes autoritaires et cette expression de définition de la génération particulière a été privée de sa voix, entre les luttes des mondialistes et des "adeptes de l'émission unique." Les opportunités sont présentes à travers de nombreuses voies différentes ; mais comme une grande partie d'entre elles sont encore guidées par des financements institutionnels, elles pourraient être supprimées tout aussi facilement lorsqu'elles s'écartent du code hégémonique. En 2020, l'administration Trump a tenté de supprimer le National Endowment for the Arts (NEA), le qualifiant de "gaspilleur et inutile pour l'avenir de l'Amérique". De nombreuses institutions artistiques, artistes et vies américaines sont affectées par le NEA et sa suppression aura un impact significatif sur la communauté artistique. En tant que tel, un système de financement central institutionnalisé pourrait facilement être menacé, prouvant ainsi son manque de fiabilité. Le monde de l'art a progressé depuis les années 1930 ; cependant, il est toujours vrai aujourd'hui que le monde de l'art ne peut atteindre l'indépendance en tant qu'industrie, tant sur le plan conceptuel que monétaire.
Conclusion
L'idée mal interprétée du mondialisme qui perdure dans le monde de l'art actuel fixé par des institutions hégémoniques et le manque de fiabilité des systèmes de financement centralisés menacent toujours la vie des artistes et la définition de l'art dans notre génération de s'étendre davantage. Nous pensons que nous sommes à l'aube d'une révolution dans le système du monde de l'art d'autant plus que l'hégémonie du système monétaire est en train de passer des ventes traditionnelles en galerie à la blockchain. L'art a joué un rôle majeur dans le peuplement du potentiel de la technologie blockchain, qui, selon nous, doit trouver la direction nécessaire pour ancrer les valeurs et la définition de l'art contemporain dans l'environnement blockchain afin de garantir la longévité et la validité. Le monde de l'art a finalement rencontré NFT, intentionnellement ou non. Notre société continuera à connaître le mouvement fluctuant de l'attention et du capital comme celui du Gartner Hype Cycle. Accepté ou non, le DAO de Vasari croit en l'obligation d'incorporer le développement de la technologie comme moyen définitif d'exprimer l'art contemporain de notre génération au-delà du simple but de vente. Les articles suivants traiteront de l'état de l'éducation artistique et de la manière dont la NFT pourrait avoir un impact positif sur la scène artistique contemporaine.
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