Scène d’Art Contemporain – Quelle cause défendons-nous? (2/3)
Introduction
Dans la continuité de notre précédent article sur l'Histoire de l'art, l'article 2/3 traitera de l'état actuel de l’éducation artistique.
Nous comprenons bien que les idéaux de l'art, de l'esthétisme et de la créativité ne constituent pas une question d’éducation au sens le plus strict, et nous ne devrions pas non plus mesurer le succès de la vie d'un artiste par le biais d'une telle éducation.
Toutefois, la quête d'un diplôme professionnel de niveau supérieur dans le domaine des arts entraîne des attentes différentes pour la vie des artistes en devenir ; l'article 2/3 est un aperçu de l'effet induit par l’éducation artistique dans la vie professionnelle des artistes dans le contexte contemporain.
Il est à noter que cet article expose ici un aspect très particulier et abrégé du monde de l'art afin de fixer les fondements de l'orientation de la DAO et non pour dénigrer une quelconque culture ou transmettre de fausses valeurs. Tous les détails de l'article peuvent être ouvertement débattus et approfondis au-delà de cet écrit et en tant que communauté.
Résumé
L'article 2/3 aborde les questions relatives aux programmes des Maîtrises en Beaux-Arts (Masters of Fine Arts ou MFA) dans le monde de l'art. Les deux principales problématiques abordées dans l'article sont 1) le nivellement par le haut de l’éducation artistique selon le succès présumé de l'artiste et 2) son exposition inexplicable ainsi que sa répercussion monétaire. La conclusion de l'article expose la position de Vasari DAO sur les questions mentionnées plus haut et nos orientations et valeurs pour ce qui est de l'éducation artistique.
Ce n'est qu'au cours des dernières années que les programmes de Maîtrise en beaux-arts (MFA) ont connu un nivellement par le haut dans le monde de l'art. Au-delà de l'objectif éducatif consistant à former de jeunes artistes pour qu’ils s'épanouissent tant sur le plan formel que conceptuel, la popularité des programmes de MFA a également entraîné des changements inattendus dans le monde de l'art.
En 1999, le New York Times Magazine publiait une photo des membres de la faculté des Arts de l'Université de Californie à Los Angeles (UCLA). Les membres de la faculté comptaient parmi eux certains des artistes les plus célèbres au monde encore aujourd'hui, tels que John Baldessari, Barbara Kruger, Paul McCarthy, Charles Ray et d’autres encore. Cette publication avait eu un tel impact qu’elle a permis au programme du MFA de l'UCLA d’avoir un taux d'acceptation notoirement bas (en réalité inférieur à celui de la Harvard Business School) et qui semblait garantir à la fois succès et qualité d'éducation sans précédent pour les artistes en herbe. Bien que le tout nouveau programme du MFA de l'UCLA visait à atteindre une excellence culturelle collective sous la bannière des arts, les effets du programme ont été plus profondément documentés par les classements des médias, tels que l’US News et le World Report.
En conséquence, Deborah Solomon, critique d'art, avait publié un article intitulé "How to Succeed in Art" (“Comment réussir dans l’Art”), en référence à ce phénomène et afin de proposer une réflexion sur ces programmes encensés, les décrivant comme "...un gaspillage lamentable de la vie humaine tel qu'il en existe dans certaines phases de l'éducation artistique."
Peut-être que la présence de Kara Walker à l'Université Rutgers, de Sarah Sze à l'Université Columbia, de Jennifer Packer à la Rhode Island School of Design et de Josephine Halvorson à l'Université de Boston vise-t-elle les résultats attendus de la promotion, au nom de l'école et des étudiants.
Outre les grandes réalisations artistiques des membres vedettes du corps professoral, la valeur de l'enseignement dispensé dans le cadre de ces programmes est incommensurable et la valeur des œuvres d'art des candidats au MFA, dans un contexte d'histoire de l'art, ne peut être entièrement anticipée ; toutefois, leurs estimations monétaires peuvent être chiffrées dans une certaine mesure. Que ces artistes vedettes aient été des éducateurs accomplis ou non, le programme de Maîtrise en Beaux-Arts a permis aux artistes émergents de se faire connaître et d'accéder au monde de l'art de diverses manières. Grâce aux expositions de leurs thèses, aux publications sur les médias, aux réseaux de leurs facultés et aux ateliers ouverts, les candidats établissent des liens avec les artistes et les galeries. Certains marchands d'art recherchent spécifiquement des artistes émergents parmi les candidats au MFA de l'Université de Columbia ou de la Yale School of Art pour de futurs investissements. D'une certaine manière, l’exposition de thèse du MFA a été intégrée dans la culture stratégique d'un collectionneur. De nos jours, il est peu courant de trouver des artistes sans diplôme de MFA au sein des catalogues, lorsqu'on consulte leurs biographies sur le site web d'une galerie.
Ces phénomènes nous ont amenés à nous interroger : les diplômes de MFA servent-ils à valider la capacité créative des artistes d'aujourd'hui ? Ou sont-ils devenus un catalyseur de l'élitisme au nom de la facilité ? Nous ne nions pas que les modèles éducatifs actuels des Beaux-Arts ont produit des artistes contemporains majeurs au sein de cette génération ; la profondeur des Beaux-Arts, entretenue par une éducation d'excellence, permet d'exprimer visuellement des domaines de pensée inexplorés. Par conséquent, les Beaux-Arts peuvent être considérés comme un domaine ardu nécessitant des connaissances et une expérience préalables afin d’être pleinement appréhendés. Cependant, leur lien avec le processus particulier de sélection dans le monde de l'art a induit un objectif erroné, d'autant plus que les dépenses pour les programmes de MFA aux États-Unis ne sont pas entièrement abordables. L'échange est effectué dans le cadre de problèmes réalistes et les solutions peuvent être trop sévères pour un succès inédit dans le monde de l'art. Les statistiques exactes du revenu moyen des diplômés du MFA ne sont pas assez transparentes, car elles n’établissent pas de comparaisons claires avec la dette moyenne des prêts ni avec aucune autre forme de dépenses que les étudiants doivent assumer. Toutefois, si un professeur auxiliaire d'une université, récemment diplômé d'un Master gagne entre 1000 et 5000 dollars par cours, l'estimation de son niveau de vie moyen est donc possible.
En 2007, l'Atlantic a publié un article sur le nombre croissant de doctorats parmi les diplômes d'Ecriture Créative. Selon eux, le nivellement par le haut dans les domaines de la création a atteint certaines limites et, par conséquent, ceux-ci s'attendent à voir davantage de titulaires de doctorats dans un avenir proche. Récemment, les programmes de doctorat en Beaux-Arts se sont également multipliés dans les universités et rien ne garantit qu'il ne s’agit pas ici d'une nouvelle forme de nivellement par le haut.
Conclusion
Les programmes de MFA, à l'instar des entreprises, doivent prendre des décisions qui nourrissent des rêves de réussite afin de survivre (ce à quoi on peut répondre que c'est le moteur de tout modèle éducatif sur terre). Et la poursuite de ce modèle commercial a créé un nivellement par le haut de la scène artistique qui ne peut garantir la survie d'un artiste. Nous pensons que la valeur de l'art et la qualité des artistes ne doivent pas être jugées principalement en fonction du niveau d'éducation, et c'est pourquoi nous voulons créer une DAO où des participants de différents horizons peuvent discuter des valeurs artistiques sur un pied d'égalité. Au contraire, avec ou sans niveau d'éducation supérieur, la définition ou l'accès aux Beaux-Arts ne devrait pas nécessiter un tel niveau de difficulté pour être poursuivi. En ce qui concerne les activités créatives, notre objectif principal devrait être de connecter les artistes à un groupe de soutien de la communauté, tout en soulageant leurs compromis réalistes.
Notre vie contemporaine est entourée d'objets ‘designé’ et de stimuli visuels. Dans l'histoire de l'humanité, les valeurs véhiculées par les éléments visuels sont omniprésentes et définissent une identité culturelle particulière. Ironiquement, les Beaux-Arts ont toujours été balancés entre la recherche d'exclusivité et l'octroi d'une plus grande accessibilité, qu'il s'agisse de l'éducation ou de l'œuvre d'art elle-même. Grâce à la décentralisation, nous remettrons en question non seulement le modèle éducatif traditionnel d'évaluation et d'observation de l'art, mais aussi sa signification dans le monde de l'art. En élargissant la notion d'éducation artistique, nous pensons que le développement d’une sensibilité esthétique ne devrait pas être un privilège. En tant que tel, Vasari DAO a pour objectif de fournir un accès plus démocratisé à l'art et à la connaissance en tant que valeur commune pour rapprocher cette génération de contemplateurs. Le dernier article de cette trilogie abordera le système monétaire et son lien avec les artistes d'aujourd'hui.
Preach V to the world.
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